Películas de Culto

‘La revancha de los novatos‘ (Jeff Kanew, 1984) era una película de bajo presupuesto que se estrenó en los USA en el circuito de autocines en fechas veraniegas. La 20th Century Fox no pensaba que se convertiría en un gran éxito, a escala mundial, y que su influjo rejuvenecería el espíritu de película universitaria gamberra inaugurado por “Desmadre a la americana” (John Landis, 1978). Una de las hijas de “La revancha de los novatos” fue esta divertida comedia protagonizada por Gabriel Jarret que se metía en la piel de un superdotado llamado Mitch Taylor. Mitch aterriza en la universidad para convertirse en el impulsor de un programa de ciencias con laser que, hasta el momento, estaba siendo dirigido por el díscolo Chris Knight (Val Kilmer) que, como él, llegó siendo un pimpollo impresionable y se ha convertido en un juerguista y un ligonazo que pone más interés en gamberrear que en terminar el dichoso laser.
‘Escuela de genios‘ es una película todavía fresca que, además, fue la inspiración directa de ‘The Big Bang Theory’ ( Chuck Lorre y Bill Prady, 2007). En muchos aspectos supera a esta quasi-versión televisiva aunque solo sea por el nivel de surrealismo provocado por el grupo de superdotados protagonistas. Resulta original dentro del género porque no hay ni un solo antagonista que no tenga un coeficiente intelectual alto y escapa del juego tonto-listo al que este tipo de pelis nos tienen acostumbrados.



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‘El gran despilfarro‘ (Walter Hill, 1985)


Richard Pryor interpreta a un jugador de beisbol de segunda que, por cuestiones del destino, es el único heredero de una fortuna milmillonaria. Para cobrarla por completo solo deberá cumplir una condición: conseguir gastar 30 millones de dólares en 30 días sin comprar ninguna propiedad, sin regalar un solo centavo y sin revelarle a nadie el por qué del despilfarro. Ayudado por su cátcher habitual, al que da vida un increíble John Candy, Pryor intentará llegar a la meta con el objetivo de que, de ganar la bolsa, habrá aprendido a no derrochar el dinero.
‘El gran despilfarro’ es una comedia comercial que va a calzón quitado, es decir, no tiene ni una sola sutileza y se tira a su cuello para hacerlo cosquillas hasta sacarle una sonrisa o una carcajada cada tres minutos. Es una producción honesta en sus objetivos y cuenta con el mayor talento cómico de su generación: Richard Pryor.
Pese a que siempre fue un reputado artista lo cierto es que Pryor tuvo que aceptar películas abiertamente comerciales para engordar sus maltrechas arcas. La adicción del cómico a todas las drogas y bebidas conocidas habían puesto ya en jaque sus finanzas y acabó de rematar estas cuando, allá por 1981, intentó encenderse una pipa de crack frente a una chimenea de gas que permanecía apagada pero con la espita del butano abierta. El resultado fue una deflagración que alcanzó al cómico en el rostro y en el cuerpo e incendió la pipa (rellena con alcohol) haciéndola estallar y depositando todo el líquido sobre Pryor que se lanzó a la calle, en llamas, pidiendo auxilio.
El cómico de Peoria (Illinois) salió de aquel trance y se centró en los años siguientes en hacer más cine, acaso de menos renombre que la brutal “Blue collar” (Paul Schrader, 1978) o “California Suite” (Herbert Ross, 1978), pero igualmente comprometido con la carcajada. Esta misma película parece, en realidad, un simil bastante acertado de los años en los que Pryor estuvo tirando el dinero por la ventanilla de su limusina.

 

‘Exploradores‘ (Joe Dante, 1985)


¿Hay un tipo con más sensibilidad que Joe Dante en esto de hacer películas para la chavalada? Pensamos que no, que es un tipo fenomenal, que de algún modo loco te alcanza el corazoncito. Su fórmula es sencilla: meter a gente corriente en situaciones chifladas. Así es “Rock and roll High School” (1979), “Gremlins” (1984) o la nunca bien reivindicada “Pequeños guerreros” (1998). En este caso la historia va de tres preadolescentes que se construyen una nave espacial en el garaje de uno de ellos y consiguen viajar más allá de los confines de la Tierra. Ethan Hawke, River Phoenix y Bobby Fite dan vida a tres nerds entrañables perseguidos por la mala suerte y los acosadores escolares que se refugian en la construcción de una quimera que se convierte en real y consiguen así abandonar durante unos instantes la mediocre vida que llevan. Por su carácter tristón y los ingredientes de drama la película, que contó con un espectacular despliegue publicitario gracias al éxito de “E.T., el extraterrestre” (Steven Spielberg, 1982), no llegó muy bien al público español de la época que esperaba, sin ninguna duda algo al estilo de “Gremlins” y se encontró con una película juvenil con mucho mensaje y un ritmo apacible. Con los años “Exploradores” se ha ido instalando en la categoría de película de culto porque resulta madura, quizás demasiado para su target, y también escondía un culto a la tecnología que, en la actualidad, es algo con lo que convivimos con total normalidad.



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El asesino del Shogun (Shogun Assassin, 1980)

La película que desató la fiebre por el cine de samuráis en Occidente, por encima incluso de las películas de Kurosawa, fue este salvaje remontaje, adaptado a los gustos occidentales (es decir, menos contemplación, más acción), de las dos primeras películas de un total de seis de la saga 'Lone Wolf and Cub', inspiradas en el mítico manga de Kazuo Koike y Goseki Kojima. Es decir, 'Lone Wolf and Cub: Sword of Vengeance' y, sobre todo, 'Lone Wolf and Cub: Baby Cart at the River Styx', ambas de 1972.
Este es el inicio de la historia de un asesino al servicio de un señor feudal que cae en desgracia por falsas acusaciones de traición. Convertido en un asesino sin dueño, busca venganza acompañado de su hijo de tres años, a quien lleva en un carrito. Las dos películas fueron remontadas por Robert Houston y David Weisman, que compraron los derechos de los films originales a la Toho. Fueron distribuidas por Roger Corman en el circuito grindhouse y, más tarde, en formato doméstico por Universal, que se encontró innumerables obstáculos por culpa de su notoria violencia. Lo que sin duda le ayudó a alcanzar su categoría de culto: paradójicamente, el resultado es -pese a su condición de obra bastarda-, perfecto para iniciarse en el cine de samuráis de los setenta.

 

Audition (1999)


Todo Takashi Miike y su desquiciado estajanovismo, que lo mismo se hace una épica de gángsters de tres horas que adapta un anime empachándose de CGI, es materia prima para el cine de culto. Pero su revelación internacional en 1999 es no solo una de sus mejores películas (que es bastante decir) sino que encaja bastante bien con nuestra etiqueta. Nacida a rebufo de otro éxito (fue un encargo de la Toho para intentar replicar el impacto internacional de 'Ringu', otro caso de terror asiático de culto), obtuvo un reconocimiento inmediato en festivales y gracias al boca-oreja.

Su estilizada ultraviolencia, su famoso giro argumental y el delicado sadismo de su historia e imágenes convirtió 'Audition' no solo en un éxito, sino en paradigma de lo que sería el cine de género asiático en el nuevo siglo. Aún estaban por llegar producciones como 'Ju-On' dentro del terror, 'Battle Royale' fuera de él y autores como Sion Sono, que en breve lanzaría al mundo películas como 'Suicide Club'. Serían los primeros estandartes de una filmografía compleja y a veces imposible de entender en toda su magnitud para el público occidental como es la japonesa, y que en muchos casos nos lleva a considerar ya directamente de culto todo lo que llega desde allí... aunque sean producciones refrendadas por mastodónticos éxitos de taquilla en Asia.

 

Donnie Darko (2001)

Una película única no solo por su singularidad industrial y creativa, sino también como parte de la obra de su director, Richard Kelly, el típico director que cae simpático, pero que no sabe aceptar un metafórico "no" por respuesta. Después de que esta locura de crípticos viajes en el tiempo recibiera una tibia respuesta en taquilla debido a su casual coincidencia con los atentados del 11-S, siendo uno de los detalles de su argumento un terrible accidente de aviación de origen desconocido, el boca-oreja hizo milagros con su trayectoria en formato doméstico.
Lo enigmático de su propuesta (que el propio Kelly se encargó de echar por tierra en un terrible director's cut sobreexplicativo y sin fuste), su capacidad para ametrallar al espectador con imágenes tan icónicas como la del conejo monstruoso y la escalofriante personalidad de un joven Jake Gyllenhaal le otorgaron una categoría única. Kelly no sería capaz de continuarlo ni en el aparatoso descalabro 'Southland Tales' ni en la simpática pero inane 'The Box'. Lo que sin duda refuerza la categoría de joya aislada y en bruto de su debut.



https://www.espinof.com/listas/mejores-peliculas-cine-culto-historia

 

Una de culto en mi opinión es Bettlejuice. Una comedia muy buena, con las excelentes actuaciones de Alec Baldwin, Geena Davis y el gran Michael Keaton. Altamente recomendable.

 

Otra pelicula, que yo considero que si es de culto, es CUBE. El tema central es muy interesante: personas encerradas en un gran edificio con forma de cubo, el cual tiene habitaciones. Cada habitación puede ser una trampa mortal. La clave para sobrevivir es descifrar el acertijo detrás de unos números. Muy entretenida de principio a fin.

 

Por algo la película fue ganadora del premio a la “Mejor opera prima canadiense” en el Festival Internacional de Toronto de 1997, y a servido para crear, recrear y ser madre de muchos films tipo Saw y otras cuyas características fueron de tratar como manejan el concepto de vivir encerrados en pequeños espacios con pocos minutos para sobrevivir, claro está que este film tiene otras matices que la han vuelto de culto y trascendiendo generaciones y épocas. Incluso hay un estreno Japonés que es su remake. Sin dudar a dudas hay un comienzo y un final con esta sensacional historia.

https://www.dailymotion.com/video/x7z3bo2

 

La Escalera de Jacob o Alucinaciones del pasado. USA, 1990. Dirige Adriam Lyne y tiene como principal protagonista a Tim Robbins.





La Considero un film de culto, me encantaría encontrar una web donde pueda encontrarla para volverla aprecia. Sorprendiendo TR. Notable historia.

El título del filme hace referencia a la historia bíblica de la escalera de Jacob, o el sueño de un lugar de encuentro entre el Cielo y la Tierra (Génesis 28:12).

En realidad hay varias interpretaciones con lo que dice el Director, desde el fármaco experimental llamado La Escalera. Hasta la versión de los Ángeles y Demonios.

 

El Expreso de Medianoche. Dirige Alan Parker en 1978. Principales actores: Brad Davis, John Hurt, Irene Miracle, Paul L. Smith.

Es una película narrada con una crudeza poco sutil y con un realismo sin precedentes. De alguna manera retrata realidades sociales ( no solo de Turquía, USA y muchos países en los años 70) más marginales habían adquirido un protagonismo latente y que invita a cuestionarnos la importancia de las decisiones y el valor de la libertad.

 

Se pone interesante la cosa... siempre he sido cinéfilo. Voy a tratar de hacer memoria para compartir otras películas que considero que son MUST SEE.

 

Hay tantas, lo importante es que nos dejen pensando y sigamos en la inventiva o sintiéndonos mejor a través del Séptimo Arte.

 

Buscaré esas películas gracias...

 

Navidad Sangrienta. 1974. Director: Bob Clark. Actores: Olivia Hussey, Margot Kidder, John Saxon.

Las integrantes de una hermandad y su ama de llaves ebria son víctimas de un obsceno y psicópata asesino.

El filme se inicia en una noche de Diciembre, exactamente en una casa de hermandad donde celebran las fiestas. Posteriormente se pasa a la vista del asesino, al cual no vemos en ningún momento y solo se escuchan jadeos (para muchos entendidos, se debió mostrar aunque sea algo del homicida). El tipo aprovecha los ruidos y la oscuridad para subir al ático sin ser visto.

El enemigo aprovechando el sigilo de la noche, y que las personas festejan con los villancicos, realiza una pequeña masacre, saliendose con la suya.

 

Juego de Lágrimas. 1992. Director: Neil Jordan. Actuan: Forest Whitaker, Stephean Rea.

Un sargento británico negro (Forest Whitaker), destinado a Irlanda del Norte, es secuestrado por un comando del IRA. Su pretensión es canjearlo por un compañero que está entre rejas, o si no, matarlo. Fergus (Stephen Rea), uno de los terroristas, es el típico pobre diablo con un fondo bueno. Esto lo detecta el secuestrado, que se lo hace saber a Fergus a través de la fábula de la rana y el escorpión, comparación que ya utilizó Orson Welles en Mr. Arkadin. Poco a poco se estrechan las relaciones entre ambos. Ante la eventualidad de un trágico desenlace en el secuestro, el sargento pide a Fergus que cuide de Dil (Jaye Davidson), una muchacha negra que le espera en Londres.

 

Inseperables. 1988. Director: David Cronenberg. Actuan: Jeremy Irons, Genevieve Bujold.

Obra mayor de David Cronenberg a partir de la novela Twins (1977), de Bari Wood y Jack Geasland, que, a su vez, se inspiraba en el caso real de los hermanos Marcus. Dead Ringers es un filme insano, turbador, complejo e inquietante. La quintaesencia del universo cronenbergiano en su morbosa querencia por la malformación de las relaciones humanas. Todas las obsesiones del autor de La mosca (identidad, locura, sexo, deformidad, ciencia, tecnología) están presentes aquí, su “Necronomicón” particular. Uno siente pavor ante escenas como la de la pesadilla que sufre Beverly, donde el apéndice que lo une a su hermano es brutalmente arrancado por Claire, o aquella otra en la que, enajenado por el consumo repetido de drogas, se dispone a operar a una de sus pacientes con un aberrante instrumental quirúrgico.

https://esculpiendoeltiempo.com/2016/09/29/inseparables-dead-ringers-1988-de-david-cronenberg/



https://zoowoman.website/wp/movies/inseparables/

A través de este enlace pueden ver la película completa.

 

Memento


"No me acuerdo de olvidarte."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Leonard sufre un tipo de amnesia que no le permite guardar recuerdos recientes. Su mujer fue asesina y su único objetivo es vengar su muerte. Para dar con el asesino, su única ayuda son los tatuajes que escribe en su cuerpo y Teddy, un policía corrupto.




IROM OTNEMEM
El origen de Memento (Memento, 2000) surgió de un viaje en coche, que los hermanos Christopher y Jonathan Nolan hicieron entre Chicago y Los Angeles en 1996. Durante el viaje Jonathan le contó a su hermano la base de una historia que estaba escribiendo, la cual entusiasmó a Christopher. Ambos empezaron a trabajar partiendo de la misma idea, Christopher en el guión de la película y Jonathan en una historia corta.
En "Memento Mori", el excelente relato de Jonathan, el protagonista se llama Earl y es un paciente de una institución mental. Padece la misma clase de amnesia que Leonard en la película y también se deja notas y fotos para recordar cosas. La historia se compone de 11 capítulos. Los impares se centran en un narrador, que eventualmente descubrimos, es el propio Earl y los pares en sus acciones. El protagonista se va motivando poco a poco para matar al asesino de su mujer. Para ello se escapa de la institución y se tatúa en su cuerpo las instrucciones para dar con el asesino, incluido un retrato del mismo. Earl lo mata y después es detenido por la policía. Una vez en el coche de policía, busca una pluma para escribirse que lo ha matado, pero no encuentra ninguna y al momento su mente olvida todo lo sucedido. Termina con un final abierto, Earl encuentra el tatuaje que le llevó a dar con el asesino de su mujer, dando a entender que toda la historia se volverá a repetir, con Earl buscando al asesino de su mujer una y otra vez. En el relato no existen más personajes que Earl, no hay rastro de Teddy, ni de Natalie. La historia se cuenta de forma cronológica y ésta carece del giro final de la película.

Al principio Nolan no tenía pensado hacer otra película con un montaje desestructurado después de Following (1998), pero terminó usando el mismo recurso, creando así la increíble estructura narrativa de Memento, por un "proceso de sentarse y pensar sobre cómo poner al público en la posición del alguien que no sabe lo que acaba de pasar," explicaba Nolan. "Finalmente di con la respuesta, 'Bueno, no les digas lo que acaba de suceder, diles lo que va a ocurrir, y cuenta la historia hacia atrás, y de esa forma le quitas la información al público que no está disponible para el personaje y eso ayuda a que consigas entrar en su condición'."
Nolan tardó un año en escribir el guión y una vez hecho, trató de vender el proyecto a diferentes estudios independientes, pero por causa de su complejidad, no encontró ninguno que quisiera producir la película. No fue hasta que su por aquel entonces novia, Emma Thomas, le mostró el guión a Aaron Ryder de la productora Newmarket Capital Group, que el proyecto encontró su hogar.
Se le dio luz verde a la película, siendo co-producida por Newmarket y Summit Entertainment, compañía que tenía un acuerdo de producción con la primera y que se encargó de la distribución en el extranjero, poniendo Newmarket los 5 millones de presupuesto de la película. Y se asignó a las hermanas Jennifer y Suzanne Todd como productoras. Sólo en acuerdos de pre-venta en el extranjero, Summit consiguió reunir 4,5 millones de dólares, que prácticamente cubrió los costes de la película.

SELBAROMEM SEROTCA
Brad Pitt fue el elegido para interpretar a Leonard, pero un conflicto en su agenda impidió su participación en la película. Se barajó a Alec Baldwin, Aaron Eckhart y Thomas Jane para el papel, antes de decantarse por Guy Pearce, quien impresionó a Nolan por su entusiasmo por el proyecto.

Para el papel de Natalie se barajaron varias actrices como Ashley Judd, Famke Janssen y Angelina Jolie, siendo la elegida Carrie-Anne Moss, recién salida de Matrix (1999). Y fue al ver esa película, que Jennifer Todd, se fijó en ella y la propuso para el papel. Nolan supó que había encontrado a su Natalie al ver esa película, "cuando la vi en Matrix, pensé que tenía esas dos caras, que era exactamente lo que estaba buscando," admitía Nolan. "Esta fuerza, de un modo blindado con la que nos topamos y también la forma en que podía, a veces, realmente abrirse y revelar un lado gentil también."

El papel del policía corrupto Teddy, le fue ofrecido inicialmente a Denis Leary. Por su parte, Carrie-Anne Moss recomendó a su compañero de Matrix, Joe Pantoliano. La propia actriz lo llamó y le habló sobre el papel. Entonces Pantoliano contactó con su agente para acordar una reunión con Nolan. Actor y director se reunieron en una cafetería de Los Angeles, en aquel momento Leary aún era el actor previsto, pero como al final no consiguieron contratarlo, por no estar disponible, el papel se lo llevó Pantoliano.

EJADOR NU ED SODREUCER
La película se filmó entre el 7 de septiembre de 1999 y el 1 de octubre del mismo año, es decir, en un tiempo record de 25 días, algo increíble viendo su impecable factura.
Inicialmente la fotografía principal de la película iba a tener lugar en Montreal, para aprovechar las ventajas fiscales de rodar allí, pero al final se decantaron por Los Angeles. A causa de ese cambio y para mantener los costes ajustados, se tuvo que reducir el planning de rodaje de 30 a 25 días.
El rodaje tuvo lugar en diferentes localizaciones de Los Angeles y sus alrededores, como Tujunga (el motel Discount Inn), Glendale (el restaurante Grinders), Pasadena (la casa de Sammy Jankis), Long Beach (una refinería sirvió como el edificio abandonado donde Leonard mata a Teddy y a Jimmy y también se filmó allí la escena en la que Leonard quema las pertenencias de su mujer) o Burbank (donde se filmaron varias escenas de conducción y es donde se encuentra la casa de Natalie).

Fue un rodaje muy rápido, tanto que el director de fotografía Wally Pfister, fue contratado cuando sólo quedaban 2 semanas para terminar la pre-producción. Carrie Anne-Moss filmó todas sus escenas en los primeros 8 días de rodaje. Y Pearce, Moss y Pantoliano sólo coincidieron juntos en el primero, al rodar las escenas del exterior de la casa de Natalie.
Dado el estilo desestructurado del montaje de la película y que además la película tampoco se rodó en ningún orden determinado, surgieron pequeños problemas de esperar de este tipo de situación. Por ejemplo, en un momento del rodaje, Guy Pearce tenía que llevar una polaroid de su coche, la cual tomaba en una escena que aún se había rodado, pero se dieron cuenta a la hora de rodar que no tenían dicha foto. Así que no les quedó más remedio que salir de la localización en la que se encontraban, colocar el coche como suponían estaría en el momento de rodar la otra escena, sacarle una foto y usarla en la escena que pretendían rodar.

Surgieron complicaciones a la hora de rodar la escena inicial, que acontece en sentido inverso. Para esta escena la película se cargó en la cámara al revés, de modo, que cuando se procesó y proyectó, mostró lo filmado ya en sentido inverso. Esto se hizo con todos los planos, menos con uno, el del casquillo rodando por el suelo, que se filmó de forma normal. Tras varios intentos fallidos, en los que el casquillo siempre se salía del plano, dieron con la solución, Nolan simplemente le sopló para hacerlo ir hacia atrás, pero en un error, el plano se filmó al revés como el resto de la secuencia, por lo que se vieron obligados a realizar una copia inversa del plano para simular que el casquillo realmente iba hacia atrás. Todo un lío.
En esta escena los efectos de sonido no se invirtieron y suenan de forma normal. El único sonido que se reproduce al revés es el grito de Teddy. "Quería que el público la viera como una secuencia física. Si inviertes el sonido, la fisicalidad se va," explicaba Nolan.

Antes de que Pearce y Larry Holden rodaran juntos la escena en la que Leonard mata a Jimmy, Holden le pidió al protagonista que le atacase realmente y Pearce, que había sido fisioculturista, así lo hizo, causándole varios hematomas en el cuerpo.
Para rodar una de las escenas entre Sammy y su mujer, Stephen Tobolowsky y Harriet Sansom Harris tuvieron que improvisar su diálogo, porque estaba previsto inicialmente, que la escena tuviera una voz en off.

Una vez la película fue filmada se procedió a grabar la voz en off de Pearce. Al actor se le dio libertad absoluta para improvisar en las secuencias en blanco y negro, para así potenciar la sensación de su estilo documental.
Tras colaborar con David Julyan en Following, Nolan volvió a contar con el compositor para su segunda película. Julyan creo una excelente banda sonora de inspiración electrónica, donde todos los temas giran en torno al personaje de Leonard, según el compositor son temas para mostrar, "su estado mental y como cambia a través de la película. La emoción que buscaba con mi música era el anhelo y la perdida. Pero un sentido de perdida que sientes, pero al mismo tiempo en el que no sabes que es lo que has perdido, una sensación de estar a la deriva. Tienes una pesadilla y despiertas y estás asustado, pero no sabes porqué lo estás. Ese es el estado en que Leonard vive a lo largo de Memento."

http://peliculasdeculto.blogspot.com/2015/06/memento.html

https://www.repelis24.info/6812/pelicula/memento.html

Aquí pueden ver la pela completa.

 

Quiero la Cabeza de Alfredo García. 1974. Dirige: San Peckinpah. Actuan: Warren Oastes, Isela Vega.

Un escándalo familiar hace que un poderoso ranchero mexicano ofrezca un millón de dólares por la cabeza de un joven llamado Alfredo García. Dos cazadores de recompensas salen en su busca y en su camino se topan con un músico americano cuya novia resulta saber que García murió y está ya enterrado. Pensando que puede ganar una gran suma de dinero fácilmente, el pianista desenterrará el cadáver e intentará llevar su cabeza al ranchero. Pero eso desencadenará una oleada de violencia y muerte a su alrededor.
Un título repudiado en su momento por la crítica pero al que el paso del tiempo ha puesto en su lugar, como una de las más perversas y bizarras películas del cine americano. Según su director, Sam Peckimpah ("Grupo salvaje") fue la única de sus obras sobre la que gozó de un control total, que usó para componer una evocativa historia sobre un perdedor y su inútil búsqueda del amor en un mundo brutal. Aunque, eso sí, lo hizo utilizando una dosis de violencia aún mayor que la habitual en la mayoría de sus filmes. Inmensa interpretación, también, de Warren Oates en el personaje del un hombre embarcado en una suicida persecución de auto respeto e importancia.

 

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Los Sospechosos Comunes. 1995. Dirige: Bryan Singer. Actúan: Kevin Spacey, Gabriel Byrne, Benicio del Toro, Kevin Polack, Stephen Baldwin.

El agente especial Dave Kujan investiga sobre un sospechoso incendio que se ha producido en un barco situado en el puerto de San Pedro, un incidente que ha provocado una gran cantidad de muertos debido al alcance del fuego y a lo concurrida que suele estar siempre la zona donde ha tenido lugar el trágico suceso. La única pista que tiene es un estafador que sobrevivió a la catástrofe. Al escuchar su relato de lo acontecido, se dará cuenta de que el incendio fue provocado por un hombre que provoca el temor de todas aquellas personas que escuchan su nombre: Kaiser Soze.
Bryan Singer ('Jack el caza gigantes', 'X-Men: Días del futuro pasado') es el director de esta historia, la cual cuenta con la participación de Christopher McQuarrie para elaborar el guion de la trama. Igualmente, el elenco está integrado por una serie de intérpretes con una célebre trayectoria en la gran pantalla como es el caso de Kevin Spacey ('House of Cards', 'Horrible Bosses 2') o de Gabriel Byrne ('Vampire Academy', 'Quirke').




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