Películas de Culto

En el Perú poco se a valorado las películas de la Verdeamarela. Siempre con la realidad intacta, algo cruda y graciosa, buscando un sentido a la idiosincrasia, simpleza y el jolgorio por el sexo.

Este film pudo sacar lo mas intimo de ciertas bandas y grupos antisociales. Con posturas letales, convirtiendo a las favelas y pueblos en territorios sin dueños, sin ley y casi sin escrúpulos. El director supo concatenar cada historia, darle profundidad y conmover a los espectadores.

 

Recientemente Netflix ha repuesto este film de culto: "Perdidos en Tokio" (2003) aunque, a decir verdad, prefiero su título original, "Lost in translation", que en verdad hace justicia al espíritu de la película.

Varias imagenes de este largometraje proyectan una fuerza poetica, cada fotograma es una delicia de ver pues en pocos films he visto que unos pocos gestos y unas acciones sencillas transmitan muchas emociones. Es una fortuna que la directora Sofia Coppola (hija del reconocido Francis Ford Coppola) se haya decantado por usar película analógica pese a que su padre le haya sugerido usar película digital. De haber elegido esto último, creo que la película hubiese perdido mucho de su belleza y las emociones que intenta transmitir (que, de cierto modo, sucede en muchos de films comerciales de ahora, a veces la fotografía se ven tan artificial...)

Por otra parte, las actuaciones en este film son estupendas tanto por Bill Murray y una jovencisima Scarlett Johanson (apenas tenia 17 años cuando comenzó el rodaje) que tienen una química que trasciende la pantalla (la escena final es realmente maravillosa y proyecta tanto que me quedo sin palabras... de mis finales preferidos). Un mención honrosa para Anna Faris (más conocida por ser la protagonista de la saga de películas de "Scary Movie") que interpreta a una exitosa actriz en la promoción de su película en Japón. Su performance es muy buena, llena de vitalidad, locuacidad y espontaniedad pese a que solo aparece en pocas escenas.

Destaco también el soundtrack que aunque no es muy invasivo (hay muchas escenas que no tienen una melodia instrumental que lo acompañen) es lo suficientemente bueno, en especial temas como la melodia instrumental "Tommib" que refuerza una escena sublime de Scarlett Johanson o el tema "Girls" con el cual abre la película y otros más que nos da una idea del buen gusto que tiene la directora.

Como no todo es perfecto, vale la pena mencionar que los ciudadanos japoneses son representados de manera un poco caricaturesca. Creo que la directora debio tener un poco de cuidado en este aspecto. Por otro lado, esta película dividió a los cinefilos: mientras que una parte le encantó esta película (me incluyo), otros en cambio la calificaron de un ejercicio de aburrimiento o pesadez, la consideran sobrevalorada.

A casi 20 años de su estreno, espero que alguna cadena de cine en nuestro país se anime a proyectarla nuevamente pues esta película lo merece sin lugar a dudas.

 

Hermosa película, esta cinta me transmite muchas emociones, me deprime en el buen sentido, pues explora mi soledad y me hace sentir como si estuviera en el mismo Tokio buscando a esa persona que me complete.

Y aunque no del mismo género, te recomiendo "La casa de jack" de Lars Von Trier.

 

Buffalo 66

Director: Vincent Gallo

Reparto: Christina Ricci, Vincent Gallo, Ben Gazzara, Mickey Rourke, Angélica Houston

Año: 1998

Billy Brown es un convicto liberado que secuestra a la joven Layla de su clase de baile. Él la persuade para que finja ser su esposa enfrente de sus padres.

Un retrato crudo, doloroso, intenso que cede momentos a la poesía y la lírica nos invita a un viaje emocional junto a personajes rotos por dentro, caricaturas desfiguradas de seres humano.


Christina Ricci y VG

 

Una película que me cautivo hace algunos años fue "The Stanford Prison Experiment" (2015). Una cinta independiente y discreta en su promoción pero de una gran fuerza en sus interpretaciones y, lo mejor, esta basado en un hecho real: un experimento de los años 70 para investigar el comportamiento de unos ciudadanos comunes que"interpretan" los roles de carceleros y prisioneros. Aunque todo parece una simulación, la realidad hara despertar las más reconditas emociones y deseos. No deseo contar más para que se animen a ver esta joyita que ya habia sido llevado al cine en otras oportunidades, pero esta película es más fiel a los hechos acontecidos en la vida real.

 

Videodrome

Reparto: James Woods, Debbie Harry, Sonja Smiths, Peter Dvorsky

Director: David Cronemberg

Año: 1983


Max Renn es el dueño de una pequeña emisora de televisión por cable que un día capta imágenes de personas torturadas y muertas. Más tarde, descubre que la transmisión se llama "Videodrome", y que es mucho más que un mórbido espectáculo.

Hay comentarios que el film es aburrido y otros que es una gran largometraje. Lo cierto es que se adelantó a la época y sobre todo que DC siempre genera ideas, pensamientos, polémica y muchas interpretaciones. Con buenos efectos visuales y haciendo una crítica a la televisión, te envuelve en un mundo cargado de muchos mensajes y manipulaciones.

 

Esa es una cinta que desde hace mucho tiempo deseo ver. De Cronenberg solo ví "La mosca" (1986) que me pareció un largometraje muy bien logrado. Sin lugar a dudas, un director de culto. Por otro lado, James Wood es un actor bastante bueno, lo recuerdo bastante en "Salvador " (1986) y en "Erase una vez en América" (1984), pero que sin embargo luego lo encasillaron en papeles de villano.

 

Para muchos, DC es autodidacta y sensitivo, adelantado a su época y se se tiene que equivocar pero innovando, provocando y realizando proezas, lo hará. El cineasta siempre permitió que la acción se desarrolle frente a la cámara, tendiendo a favorecer la complejidad de los personajes y de los movimientos de cámara frente a un montaje rápido. Ademas el ser guionista le da un plus, ya que puede controlar todo e influenciar sobre los largometrajes.

Considero que de alguna manera su mensaje es la catarsis, el aprendizaje y la critica mordaz a la sociedad y el hombre, claro, dentro de ello lo sexual y violento aparece, pero a sabido utilizarlo sin ser repetitivo.

 

Una película que se me hizo entrañable es el largometraje independiente "En los 90" (2018) de Jonah Hill puesto que cómo su título lo menciona se situa en aquella década en que muchos crecimos (me incluyo) y podemos reconocer en este film la moda, los autos, los juegos y todo aquello iconico que resulto aquella década. El film en sí es una historia que destila frescura, atrevimiento (quien no hizo alguna travesura o descubrió la sexualidad) y un poco de ingenuidad. Combinado estos elementos, sumado a unas correctas actuaciones y un ritmo narrativo ágil, dan como resultado un film muy atractivo que no solo hace las delicias de aquellos que vivieron esa década sino también de espectadores más jovenes que sin duda disfrutaran de los andanzas (y desventuras) del protagonista del film y sus amistades. Un film que recomiendo gratamente.

 

Los Amantes del Circulo Polar

Director: Julio Medem

Reparto: Fele Martínez, Najwa Nimri, Nancho Novo

Año: 1998


Ana y Otto cuentan su apasionada y secreta historia de amor que se extiende desde los ocho años hasta los veinticinco. Todo empieza en 1980, cuando dos niños, a la salida de un colegio, echan a correr por distintos motivos. Desde ese día, las vidas de Ana y Otto formarán un círculo que se cerrará en Finlandia, al borde del Círculo Polar.

Pese al tiempo se a logrado quedar en los corazones de los cúrsiles románticos y en el hígado de los anti amor, destructores de lo dulce, pero siempre hablando del film.

La fotografía te puede llevar a seguir soñando, a querer encontrarte con tu otra mitad o simplemente a apreciar la historia con ojos críticos y severos sin negar la buena descripción de sus personajes.

 

Historia de Amor

Director: Arthur Hiller

Reparto: Ali Mac Graw, Ryan O'Neal, Tommy Lee Jones

Año: 1970

Historia de amor entre dos jóvenes de distintas clases sociales, uno estudia derecho y la otra música, y se enamoran en Harvard. Él es hijo de un banquero, mientras que el padre de ella es un emigrante italiano.


AMG y RO protagonistas del film

 

¡Un clásico y de los buenos! Aunque posea una formula usada tantas veces en el cine romantico (chico rico conoce chica modesta) no hay que negar que esta película se sostiene por el carisma y la química que desprenden Ali MacGraw y Ryan O'Neal y reforzada, sin duda alguna, por una bella banda sonora del francés Francis Lai que recibió de manera merecida un Oscar por ese trabajo ( esa combinación -película americana + banda sonora compuesta por un europeo- muchas veces ha dado muy buenos resultados).

Aqui ya se ve la influencia que estaba teniendo este largometraje con el movimiento del "Nuevo Hollywood" en relación a los temas que toca (el sexo prematrimonial, la rebeldia frente a los padres, el abandono de algunos paradigmas (Ali MacGraw no es la tipica ama de casa), una moralidad más elastica) y la actitud que tienen los personajes frente a las circunstancias que se le presentan. Algo que contrasta con las glamurosas y elegantes películas del Hollywood de oro --las cuales se orientaban más por una vertiente moral y un "final feliz"- que en esa época (1970) ya daba sus ultimos coletazos.

También conocida como "el Titanic de los 70s" es un largometraje que quedara sin duda en la memoria de los cinefilos por muchos años más y que recomiendo calurosamente a quienes gusten del cine en general.

 

Contribuyendo un poco más al tema, al hablar de "Love Story" me hizo acordar de otra película romantica que esta entre mis preferidas, hablo de la quizás un tanto olvidada "Señales de amor" (2001) de Peter Chelsom (que tambien realizó otra película bastante buena, "¿Bailamos?" (2004) ). Aunque a primera vista "Señales de amor" pareciera otra película cursi del montón, la verdad, es que va más alla de eso. Y es que las actuaciones de sus principales protagonistas, John Cusack y Kate Beckinsale, son calidas y encantadoras, desprenden una química genial en los primeros minutos que los vemos en pantalla. El performance del resto de actores de reparto también esta a la altura (entre ellos Eugene Levy, el recordado papá de "American Pie", que tiene un papel muy hilarante) .

Aunque es cierto que esta película tienen lugar muchas coincidencias o casualidades que lo hacen parecear irreal, en realidad, este el verdadero encanto de la película que se consolida con un buen ritmo narrativo y algunas escenas clave que tienen una magia y un brillo que enternece y no cansa (he visto esta película más de cuatro veces y nunca me cansare de verlo).

Una pena que la carrera cinematografica de John Cusack y Kate Beckinsale se haya estancado hace algunos años. Pero bueno siempre quedaran las buenas películas en las cuales paritciparon entre ellos esta, que sin duda esta entre mis films favoritos de todos los tiempos.

 

Luego de Love Story, hay una especie de continuación que se llama Historia de Oliver.
Tras la muerte de su esposa por leucemia, Oliver Barrett necesita tiempo para superar el duelo. Su apasionada historia de amor no le permite olvidar a la mujer de su vida cuando empieza una nueva relación sentimental.

Definitivamente no se compara a su antecesora.

Un dato curioso, el libro es de menor calidad que el film ( normalmente es al reves).

 

Es correcto. Esa secuela fue hecha unicamente por fines comerciales y hoy en día esta muy olvidada (y tampoco me dan ganas de verla, ni siquiera por curiosidad). Por otra parte, el libro si lo tuve entre mis manos (la edición de la editorial Oveja Negra) pero sinceramente no tiene el atractivo de la película. Si fue un betseller en su momento fue gracias al exito del film mas no por sus méritos literarios.

Por último, ojala pueda agenciarme de la banda sonora en formato CD o vinilo en el futuro. Es una maravilla.

 

El ST acompaña en cada imagen y escena, ayuda a transportarte e identificarte de alguna manera con los personajes. Pese a tantos años de su debut, sigue vigente por todos esos condimentos del amor trágico.

 

Una película que vi hace pocos dias fue "Besos robados" (1968) del conocido realizador François Truffaut. Un film que rezuma encanto, un poco de hilaridad, situaciones insólitas y, en ciertas ocasiones, un poco de desparpajo. Y es que la historia de Antoine Daniel (personaje que el director ya habia abordado en otros dos trabajos previos como el largometraje "Los 400 golpes" (1959) y el cortometraje "Antoine y Colette" (1962) y siempre interpretado por un genial Jean-Pierre Leaud) resulta nada menos que cómica. A medida que vamos avanzando en el film vamos siendo testigos de sus aventuras y desventuras, sus torpezas. Todo ello sazonado con una dosis de hilaridad que nos deja algunas escenas para la posteridad, mientras a la par va desarrollando su amor por Christine (una encantadora y simpatica Claude Jade). Destaca tambien Delphine Seyrig que tiene una interpretación correcta y cálida.

Un trabajo que esta a la altura de sus grandes largometrajes y cuyo idilio amoroso tendria secuelas como "Domicilio conyugal" (1970) (otra buena película pero un escalon por debajo de "Besos robados") y "El amor en fuga" (1979). Vale la pena verlo.

 

Damien Chazelle es, para quienes no hayan escuchado su nombre, uno de los directores más interesantes, que a mi juicio, han aparecido en Hollywood en la década pasada. Su talento me deslumbró con su primer largometraje, "Whiplash" (2014), donde Miles Teller interpreta a un baterista que debera llevar sus capacidades al máximo frente a un muy exigente profesor de música caracterizado por un inolvidable J.K. Simons y cuyo final es de antología, de lo mejor del cine de la década pasada (y que espero hacer una reseña en este foro próximamente). Su siguiente trabajo, "La land Land" (2016), es un claro homenaje a los musicales del Hollywood de antaño y que en buena parte éste film es deudor de otro musical clásico como la cinta francesa "La señoritas de Rochefort" (1967) de Jaques Demy, que elevó a Chazelle a la categoria de nuevos directores sobresalientes gracias a la obtención de algunos Oscars por estos trabajos. Con esos antecedentes era de esperarse que su siguiente trabajo siguiera la senda del éxito sin embargo la realidad no fue la esperada.

"El primer hombre en la luna" (2018), el último largometraje de Chazelle hasta la fecha, es un film que no recibió el favor del gran público pese a sus virtudes cinematograficas claramente apreciables. Y es que esta película es un retrato y un homenaje de aquellos años vertiginosos en que los Estados Unidos entraria de lleno en la carrera espacial y, más particularmente, en la conquista de la luna. Un film deudor de otros largometrajes como "Los elegidos" (1983) , "Apolo 13" (1995) e incluso "2001: Odisea del espacio" (1968) que permanecieron en el colectivo como cintas inolvidables de una época dorada que no ha vuelto a repetirse. Si el film que nos ocupa no recibió la acogida del gran público quizá se debio (al menos esa es mi teoría) a que no era precisamente una cinta nacionalista que reinvindicara el orgullo estadounidense. Sin animo de hacer spoliers aqui no veremos el momento exacto del hundimiento de una bandera en la luna como simbolo del orgullo yanqui, ni veremos escenas que amplifiquen el orgullo chauvinista (como sucede en películas como "Apolo 13" (1995) o "Salvando al Soldado Ryan" (1998).

Es más bien una cinta que nos muestra los claroscuros del programa espacial, las tragedias personales de sus principales protagonistas y, como si fuera el otro lado de la moneda, sus polémicas y lo que opinaba la gente sobre este ingente proyecto en los años sesenta. Ademas de mostrarnos con un gran realismo los viajes espaciales cuyos efectos especiales son de un gran calibre (recuerdo haberme quedado boquiabierto al contemplar el primer alunizaje en la luna, una escena tan épica y llena de fuerza que, sin duda, se disfruta enormemente en el cine). Destaca tambien la interpretación de un más que conocido Ryan Gosling como Neil Amstrong, el primer hombre en pisar la luna, y de una correcta de interpretación de la actriz britanica Claire Foy como la esposa de éste en la ficción. Finalmente hay que añadir que los efectos especiales usados en esta película son sumamente realistas. Con todas estas virtudes resulta un tanto injusto que el gran público no haya acogido con entusiasmo esta película. Ojalá a futuro se le de un mayor reconocimiento que no tuvo en su momento.

 

El Hombre de Mimbre

Director: Robin Hardy

Reparto: Christopher Lee, Edward Woodward, Ingrid Pitt, Paul Giovanni

Año: 1973

Un policía investiga la desaparición de un isleño escocés que puede ser víctima de los rituales sexuales paganos más modernos.

Lo llamativo del filme es su visión con tintes de burla hacia la sociedad occidental, la comparación de los diversos rituales religiosos, así como la libertad sexual y falta de pudor de dicha comunidad, hecho que atormenta profundamente al conservador y buen cristiano Sargento Howie.

Cabe acotar que el film tuvo un bajo presupuesto, se destaca por los bellos paisajes escoceses fotografiados por Harry Waxman; la música folklórica de Paul Giovanni; la presencia de grandes interpretes, entre ellos Edward Woodward, el icónico Christopher Lee, y bellas féminas como las rubias Britt Ekland, Diane Cilento, e Ingrid Pitt. La primera, futura chica Bond, la segunda, ex mujer del mismísimo 007, Sean Connery.

Esta cinta de misterio para muchos entendidos y expertos debe ser considerada como una de las más originales y emblemáticas de la historia del cine, como prueba de ello esta el epílogo, verdaderamente inquietante.

 

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Estimado. A juzgar por la sinopsis y el trailer, este film se ve muy interesante. Gracias por la recomendación. Siempre es bueno descubrir este tipo de joyitas.