Películas de Culto

Muy cierto el elenco -o cast- es una de las piedras angulares de cualquier película. Se puede tener un buen director, un buen guión y una excelente fotografia pero si el elenco no esta a la altura o sus actuaciones son sobreactuadas o no hay química entre los protagonista pues la película se va al traste. No hay autenticidad, viveza, parece artificial, solo comparable a una película destinada a la televisión o telefilm, un género menor. Y esto no implica que se deba contratar necesariamente a actores muy conocidos o cotizados, a veces, en las grandes audiciones se puede hallar a actores noveles pero de gran potencial. Esto, sin embargo, es relativo. Todo va a depender del presupuesto y de los objetivos creativos que se planteen desde la fase de pre-producción.

 

Lo bueno del Director que dejó que improvisaran ( muchas veces se corre el riesgo de hacer papelones cuando no se tiene ni la técnica, ni el carisma, ni la experiencia o inteligencia para realizarlo) y le demostraron que tenían las habilidades y sapiencias para captar toda la magia y desenvolverse sin ningún problema. La gran mayoría de estos actores no se encasillaron en el género y supieron sobresalir en otros films que a la postre se convirtieron en culto para varias generaciones.

 

Asi es. Y en el caso de Mel Gibson, no solo no se encasilló en sus roles como actor sino que fue más allá: se hizó director y dejó como legado algunas películas que la crítica y el publico recibió con agrado como "Corazón valiente" (1995). Algo parecido le sucedió a Clint Eastwood quien, a pesar de su avanzada edad, todavia dirige películas bastante decentes.

 

Es correcto, dos grandes ejemplos que cuando se quiere se puede. Aprovecharon su oportunidad y seguirán vigente aunque mueran. Creo que nunca actuaron juntos. MG a sabido realizar films de historia neta y le fue bien. Ambos tienen el Oscar a mejor director y película ( MG con Braveheart en 1995 y CE con Unforgiven en 1992 y MDB en 2004). Extraordinarios.

 

Y asi cómo hubo actores que tuvieron fortuna a la hora de cambiar de faceta como director; hubo otros que la fortuna no les sonrió y, es más, destruyó también su carrera actoral. Eso le sucedió a Kevin Costner, un actor muy conocido en los 80s y los 90s pero que al envolverse de lleno en la película "Mundo acuatico" (1995), como director en las sombras (el director en el papel era otro), el resultado fue nefasto. A pesar de su elevado presupuesto (fue la película más cara para entonces), el film no funcionó en la taquilla y marcó solo número rojos. Esto acabó con su carrera actoral y quizás le desmotivo en el siguiente film que dirigió oficialmente que tuvo malas críticas. No todos tienen el talento para ser director.

 

Nada es seguro ( como si dijeran en el fútbol, si es un buen jugador lo sera como DT, si es un gran actor lo podría realizar como Director). Hay que pasar por muchas vicisitudes o ser un capo pero no vale ganar a la primera y luego ocaso, la idea es mantenerse en el tiempo, ser vigente y reinventarse. A veces no es tanto el talento, es saber ser un gran líder y saber compartir sus experiencias con sus actores para que todo engrane.

 

Chungking Express

Director: Wong Kar-Wai

Reparto: Brigitte Lin, Tony Leung, Takeshi Kaneshiro

Año: 1994

Las vidas de unos jóvenes solitarios en el centro de Hong Kong es el centro de atención de esta historia en dos partes de dos oficiales de policía nocturnos.

Admirador de QT, el Director casi sin saberlo consiguió realizar este proyecto ( en principio tenía en mente otro género). Lo visual del film lo hace mas que interesante y apasionante.


A veces los mayores éxitos surgen de las casualidades. Wong Kar-wai llevaba varios meses trabajando en una gran producción de artes marciales titulada ASHES OF TIME cuando, por un problema técnico, tuvo que detener el rodaje durante un par de meses. Aprovechando el parate y para mantener a su equipo en movimiento, el realizador decidió hacer una película «quickie», algo rapidito, casi a la manera de un experimento para probar cosas. El resultado fue CHUNKGING EXPRESS, la película que lo terminó llevando a la fama –mediante la intervención de su fan Quentin Tarantino– y la que marcó su estilo cinematográfico a fuego. Si bien muchas de sus técnicas han cambiado desde entonces, hay conceptos de ese film que se han mantenido sin modificaciones hasta hoy. O hasta que su carrera entró en una extraña meseta productiva, hace ya varios años.

CHUNGKING EXPRESS cuenta dos historias que apenas se tocan –literalmente, se rozan– entre sí. Y el título habla de eso. La primera transcurre fundamentalmente en las Chungking Mansions mientras que la segunda tiene a Midnight Express como uno de sus escenarios favoritos. Ubicada en una zona de Tsim Sha Tsui, en Kowloon, las Chungking Mansions es un enorme edificio de varios pisos en el que –como muchos de su tipo en toda China– se realizan actividades completamente distintas en cada uno de ellos. Los primeros son una gran feria pública –un poco a la manera de La Salada en Argentina o Polvos Azules en Perú– en la que se comercializan productos de todo tipo y procedencia, cuya «legalidad» es un tanto dudosa y en el que circulan inmigrantes de cientos de países que viven o trabajan en Hong Kong. En los pisos superiores, entre otras cosas, hay una gran cantidad de hostels y pensiones en las que viven esos inmigrantes (y también turistas), lo que termina conformando casi una ciudad aparte cerca de una zona ahora elegante y cara de Kowloon.

Esos pasillos abigarrados, llenos de gente, ruidos, olores y voces son capturados a la perfección en la apertura de la película, cuyo formato visual (técnicamente llamado «step printing«) ha sido imitado hasta el cansancio y que es solo una de las innovaciones estilísticas utilizadas a lo largo de un film que algunos criticaron por su estilo clipero a la MTV de entonces pero que claramente usaba esos recursos dentro de la lógica espacio-temporal de la película y del lugar en el que transcurre. De las dos historias de amor/desamor que se narran en el film de 1994 la primera está enmarcada en ciertos códigos del film noir, tono que el espacio físico en el que se desarrolla habilita, ya que Chungking es también conocido por ser un polo de variados tipos de delincuencia.

Takeshi Kaneshiro encarna al Policía 223 (se lo conoce por el número), un joven oficial que trabaja de civil al que su pareja ha abandonado y quien se ha tomado un mes de plazo para esperarla, hasta el 1 de mayo. Esa fecha tiene su conexión narrativa en este mundo de pequeños códigos. Por un lado, May es el nombre de la chica. Y, por otro, nuestro melancólico protagonista ha decidido comprar productos con esa fecha de vencimiento, como forma de simbolizar ese punto de cierre. En paralelo, Brigitte Lin encarna a una mujer (su nombre no se conoce) que se dedica al tráfico de drogas en Chungking, utilizando a muchos inmigrantes como «mulas» y con un jefe británico que trabaja desde un bar en el que suena una y otra vez en la rockola, el reggae «Things in Life», de Dennis Brown.
El policía trata de superar su ruptura saliendo con otras mujeres pero fracasa constantemente. Hasta que aparece el clásico «me enamoraré de la próxima persona que entre a este bar» y, al menos para él, funciona exactamente así. El está bebiendo en la barra, ella entra y el resto es historia. Son apenas 40 minutos de película pero ya están marcados los códigos de la propuesta: una relectura en clave pop y posmoderna de los tropos del cine negro, voces en off cruzadas de los dos protagonistas y una trama –que se desarrolla y entiende solo a partir de esas voces– en la cual la melancolía, la fortuna, la fatalidad y el tiempo funcionan como ejes fundamentales. «Si los recuerdos se pudieran enlatar, ¿tendrían también fecha de expiración? –se pregunta 223 en lo que tal vez sea la más clara delineación de los temas del film–. Si es así, espero que duren siglos».

Tony Leung –el futuro protagonista de IN THE MOOD FOR LOVE— es el policía que encabeza la segunda parte de la historia, que transcurre entre su departamento y el Midnight Express, una tienda de comidas al paso que visita casi todos los días (223 también para aquí). El también es policía, pero de uniforme, y su número es 633. Como su colega, también ha sido abandonado por su novia, una azafata que ha dejado de comunicarse con él de manera un tanto sorpresiva. En el local de comidas empieza a trabajar Faye (Faye Wong), una chica muy joven e hiperactiva que escucha todo el tiempo «California Dreaming», de The Mamas and the Papas. 633 está todavía demasiado pendiente de su ex para notarlo, pero la chica empieza a obsesionarse con él. Y tras conseguir la llave de su departamento empieza a meterse en él y pasa su tiempo allí mientras 633 trabaja, observando las cosas de este hombre y ordenando su caos de ropas, objetos y peces sin que él logre darse cuenta de los cambios. Hasta que en el momento menos indicado se topará con ella allí.
En esta segunda parte desaparecen los códigos del policial (y las armas y los disparos) y las referencias parecen aún más que en la primera proceder de una suerte de adaptación de los códigos formales de la nouvelle vague, más específicamente el de las primeras películas de Jean-Luc Godard como SIN ALIENTO y VIVIR SU VIDA. No es solo el corte de pelo de Faye Wong (similar al de Jean Seberg o Anna Karina) sino el uso constante del jump cut, el uso de la iluminación natural de las calles, la cámara en mano, la libertad de los movimientos de los cuerpos y la impresionista organización narrativa. A diferencia de los melancólicos policías y del enigmático personaje de Brigitte Lin, la presencia de Faye le da a esa segunda parte un tono más liviano y, si se me permite la antigua expresión, «burbujeante».
Lo que une a ambas partes más allá de ser un retrato muy singular de las partes menos turísticas de Hong Kong pocos años antes de volver a manos de China es algo que se mantiene como una constante en el cine de Wong más allá de sus cambios estilísticos: las historias de amor terminadas, no correspondidas o apenas esbozadas. Si bien estas historias tienen finales que podrían ser considerados hasta sutilmente felices, los personajes de Wong siempre parecen estar condenados al fracaso amoroso, a la melancolía por la relación frustrada, a obsesionarse con la pérdida. «Todos tenemos mala suerte en el amor –dice 223–. Cuando me pasa a mí, salgo a correr. El cuerpo pierde agua cuando corres y no te queda nada para las las lágrimas».

Es en ese sentido que los juegos con la fractura del tiempo y el espacio en CHUNGKING EXPRESS resultan orgánicos y jamás gratuitos, por más que el tiempo y los imitadores los hayan vuelto casi un cliché. Si Godard aportó una relectura moderna y pop de los códigos del policial y de las historias de amor a principios de los ’60, Wong hace lo propio para la generación MTV, agregando otra capa de pintura/lectura a esa línea de fragmentación estético-narrativa. Pese a su estética más refinada y elegante, IN THE MOOD FOR LOVE funcionaba también con los mismos procedimientos de sustracción y reiteración, quitando gran parte de los bloques dramáticos más convencionales y regurgitando los que habitualmente serían cortados en una estructura convencional hasta transformar a ese «espacio negativo» de la narración en el todo, en la película en sí.

Basta mirar (escuchar, en realidad) el uso de la versión en cantonés de «Dreams», de The Cranberries, cantada por la propia Faye Wong, cuyo uso –a diferencia de la canción de The Mamas and the Papas o de la de Dennis Brown en la primera historia– es puramente extradiegético. Se escucha una y otra vez musicalizando escenas bastante parecidas entre sí reforzando como en loop un tono, una manera de acercarse a la historia que no puede ser otra que esa. Lo que Wong claramente busca –repetirá este sistema en otras películas suyas– es darle a la película una consistencia de sentido que no se podría lograr del todo usando varias canciones distintas. Y es así que, por más que pueda parecer reiterativo o ser catalogado como «videoclipero», el hombre insiste con ese formato fracturado y musical. Sabe que existe una consistencia dramática armada a partir de esos fragmentos y estructurada mediante las voces en off que le permite sostener esos potenciales excesos de estilización.
Con un romanticismo más light que el de otras películas suyas y con un trabajo de fotografía que –visto a la distancia– tiene muchísimas diferencias con el más formalmente elegante que empezaría a usar a partir de IN THE MOOD FOR LOVE, la más caótica y bastante improvisada CHUNGKING EXPRESS patentará un estilo de desviaciones formales y narrativas que se mantendrá con bastantes similitudes en sus subsiguientes FALLEN ANGELS y HAPPY TOGETHER. Más allá de sus enormes diferencias temáticas, Wong procede de una manera similar a la de Terrence Malick, una que podríamos definir coloquialmente como «lo arreglamos en posproducción» o «primero filmo todo lo que me parece y después veo qué hago con eso». La voz en off, la música, las escenas rotas o fragmentadas son las típicas marcas de un estilo cinematográfico armado a partir de la sustracción y recombinación de elementos. Y lo que Wong ha logrado hacer en sus mejores películas es darle forma cinematográfica a un estado de la mente y del corazón.

https://www.micropsiacine.com/2021/...ca-de-chungking-express-de-wong-kar-wai-mubi/

 

Película buenisima. Por mucho tiempo esperaba verla hasta que el año pasado gracias a la plataforma MUBI -que hizo un homenaje a la trayectoria de Wong Kar-Wai- se hizo realidad mi deseo de visualizarla. Y es que el resultado cubrió mis expectativas. Es una cinta fresca, conmueve, da risa y podemos identificarnos con sus personajes. Por otra parte, la fotografia es impecable y la banda sonora en su punto (inolvidable el tema "California Dreamin' de The Mamas and The Papas). Una cinta recomendable para quien quiera conocer más del trabajo de Wong Kar-Wai.

 

La trama es muy buena pero mucho ayuda la fotografía, que belleza de colores y como te lleva de principio a fin. Como se relata el amor y la soledad te hace conectar al instante.

 

Hasta ahora es lamentable la desaparición de la página Zoowoman,un portal de películas de culto y cine clásico. ¿Alguna recomendación de otro sitio similar confiable?

 

Oasis

Año: 2002

Director: Lee Chang-Dong

Reparto: Moon So-ri, Seol Gyeong-gu, Ryoo Seung-wan

Jong-Du es un joven con una pequeña discapacidad psíquica que sale de la cárcel tras haber atropellado accidentalmente a un hombre. Al visitar a la familia de la víctima, conoce a Gong-ju, una chica con parálisis cerebral que vive encerrada en un pequeño apartamento, abandonada por sus “seres queridos”. Los dos son despreciados por sus respectivas familias y encuentran en el otro un oasis de paz y de amor, de sentimientos inocentes que les hace vivir una historia de amor atípica llena de dificultades y, a la vez, de esperanza por la pureza de ese sentimiento. Siguiendo la estela del cine coreano, ‘Oasis‘ es singular e incómoda por lo explícita que es, no decora la realidad y muestra las dificultades de Jong-Du y de Gong-ju de vivir sus vidas y su relación, la condena a la que la sociedad los sentencia y el pesimismo en el que se ven hundidos por ello.

 

Pixote la ley del mas débil

Año: 1981

Director: Héctor Babenco

Reparto: Fernando Ramos Da Silva ( trágicamente asesinado por la policía a los 19 años), Jorge Juliao, Gilberto Moura, Edilson Lino, Marilia Pera.

La vida de un pandillero de 10 años, sus travesías, aventuras, fechorías y asesinatos en medio de una ciudad turbulenta e indiferente de la realidad.

Pixote arranca con una breve secuencia en tono documental, en la que el director Héctor Babenco ofrece una breve introducción a las puertas de la favela de Diadema, en São Paulo. En ella expone el tema que abordará y presenta a Fernando Ramos da Silva, un niño que vive con su familia en este empobrecido barrio y que protagonizará a continuación el filme. Esta atípico prólogo nos avisa de la dimensión de realidad que se nos va a mostrar. Siguiendo la tradición del cine neorrealista, los personajes son actores no profesionales, niños de la calle en situaciones similares a las del protagonista. La historia es una versión ficcionada, aunque con intenciones casi documentales, de la situación de desamparo en la que viven muchos menores de edad en los barrios más deprimidos de Brasil.
Lo que sigue pasado este prólogo es una historia dividida en dos partes claramente diferenciadas. En la primera de ellas, Pixote es encerrado con otros niños en un reformatorio por el supuesto asesinato de un juez, donde será testigo de los excesos de unas autoridades que les utilizan constantemente como cabezas de turco. Con un tono profundamente ácido y desencantado, Babenco se centra durante esta mitad de la narración en exponer la impunidad de las instituciones y sus abusos, sin escatimar tampoco en las críticas a los discursos pedagógicos vacíos y adornados que se manejan desde otras esferas, y mostrando, en definitiva, la indefensión de los internos del reformatorio ante su entorno, que va alimentando su necesidad de huir.

https://www.cinemaldito.com/la-alternativa-pixote-la-ley-del-mas-debil-hector-babenco/















https://www.dailymotion.com/video/x88o4aj

 

Pizza, birra, faso

Año: 1998

Director: Bruno Stagnaro, Adrían Caetano

Reparto: Héctor Aglada (QEPD, Alejandro Pous, Pamela Jordán, Jorge Sesán,

Cuatro amigos forman una banda de adolescentes marginales, que pulula por las calles de Buenos Aires. Ellos viven del robo pero cumplen órdenes de alguien que les quita la mayor parte del botín. Sin embargo, los cuatro se conforman, siempre y cuando no les falte la pizza, la cerveza y el tabaco.

Si bien el filme aborda los vínculos entre pobreza, exclusión social, marginalidad y delito a través de una lectura que no profundiza en los múltiples aspectos de esta compleja relación, Pizza, birra, faso tiene el mérito de ser una de las primeras películas –si no la primera– en interrogarse sobre los cambios operados en la sociedad argentina a partir de la implementación del modelo neoliberal. Es, además, una de las primeras en elegir una imagen áspera, desprolija y errática como el soporte más propicio para el desarrollo de estas temáticas. Puede discutirse la estructura dicotómica (buenos-malos) que presenta la historia, cierta idealización de lo marginal, así como la eficacia del sistema de identificaciones personaje-espectador, ya que éste siempre reduce la capacidad de tomar distancia del objeto y por lo tanto de construir una mirada crítica; pero, a pesar de ello, la película constituye ciertamente una interesante propuesta a la hora de reflexionar sobre las transformaciones del campo social argentino durante los últimos años.

 

Diez Negritos

Año: 1975

Director: Peter Collinson

Reparto: Charles Aznavour, María Rohm, Stéphane Audram

'Diez negritos' cuenta la historia de diez personas que son invitadas a alojarse en una suntuosa y bonita mansión en la Isla del Negro. Todos han recibido la invitación de un misterioso hombre: el señor Owen, al que ninguno de ellos conoce. Sin embargo, el Sr. Owen sí los conoce a ellos. En la carta, les comunica a todos sus invitados que serán alojados en la gran mansión porque a cada uno de ellos los ha conocido en el pasado. Describe, con sumo detalle, en qué momento y lugar se vieron por primera vez.

Nada más llegar a la casa, las diez personas se encuentran encerradas. Se han cerrado todas las puertas y una voz grabada les acusa, uno por uno, de un crimen que han cometido y por el que no han pagado una condena. Ahora es el momento de que estas diez personas, muy diferentes entre sí, paguen por lo sus fechorías.

https://www.google.com/search?clien...#fpstate=ive&vld=cid:f6f7309c,vid:qhlZekVR0z0

 

Los Siete Magníficos con Yul Bryner, para los que gustan del buen cine de cowboys, excelente peliculón para un buen fin de semana.

 

El Páramo

Año: 2011

Director: Jaime Osorio Márquez

Reparto: Juan David Restrepo, Alejandro Aguilar, Juan Pablo Barragán

Después de enviar a nueve soldados veteranos a una base militar situada en un páramo colombiano, sus jefes pierden todo contacto con ellos, por lo que temen que puedan haber sido víctimas de un ataque de la guerrilla. Cuando los soldados llegan a su destino, sólo encuentran a una joven campesina encadenada. Poco a poco, el aislamiento y la imposibilidad de comunicarse con el exterior va haciendo mella en su ánimo y alterando su cordura. En ese estado, ya no saben quién es el enemigo ni cuál es la verdadera naturaleza de la extraña mujer que han encontrado. Presos del temor, la paranoia y de un oscuro secreto que arrastran, acabarán enfrentándose entre sí para poder sobrevivir.




https://www.google.com/search?q=el+...#fpstate=ive&vld=cid:e99fb210,vid:lT-xUGzcPB8

 

Vestida para matar

Director: Brian de Palma

Año: 1980

Reparto: Angie Dickinson, Nancy Allen, Michael Caine, Keith Gordon

Una prostituta es testigo del asesinato de una mujer, se convierte en sospechosa para la policía y en un posible objetivo para el asesino.

A grandes rasgos, la rocambolesca trama de ‘Vestida para matar’ termina por dar bastante igual, siendo una película construida a base de grandes momentos, sin respiro ninguno, destinados a crear una opresión tremenda en la mente del espectador, traducida luego a un malestar físico incontestable. Pero a pesar de eso, creo que es uno de los mejores guiones escritos por Brian De Palma, y puede que el más completo y elaborado de todos ellos. En comparación, puede revisarse ‘En nombre de Caín’ (‘Raising Cain’, 1992), también escrita en solitario (y escribir en solitario es realmente algo mucho más difícil que escribir en compañía, ni que decir tiene filmar guiones ajenos), y el contraste es notorio. Aquí De Palma se siente más libre que nunca y es capaz de poner sobre el papel una historia y una construcción de personajes que le pertenecen en cada línea y en cada gesto, luego sublimados por una puesta en escena realmente inspirada, que lleva mucho más allá lo creado en el guión, y que es capaz de conceder el máximo protagonismo a la imagen como vehículo de las emociones. Un thriller que exprime todos los códigos genéricos y por el que no pasa el tiempo.
Porque nada en ella está sujeto a una moda, sino que es indagación estética en los recovecos más oscuros y retorcidos de la mente humana. Eso sí, nunca de una manera especulativa o racional, siempre furiosamente audiovisual y dinámica. La búsqueda de un psicópata asesino de mujeres que se viste también de mujer y que las corta con una terrorífica navaja de afeitar podría haber derivado, en manos menos refinadas y decadentes que las de De Palma, en un vulgar espectáculo sangriento y morboso. Pero el talento enorme de este realizador lo convierte en un espectáculo amoral, perturbador, casi inimaginable. Con su imaginación visual, es capaz de transformar cada espejo, cada sombra sinuosa, cada profundidad de campo, en una posibilidad infinita para el horror. Pero no el evidente, sino el que cada cual lleva consigo. Por eso es imposible dejar de admirar que De Palma permita que cada uno de nosotros introduzca en la imagen sus demonios particulares, como si los interiores de esta película fueran espacios propicios para el mal absoluto, o como si no hubiese lugar para la piedad y el sosiego.
Y para lograr todo ello De Palma se vale de una música muy sugerente de Pino Donaggio, de una fotografía sobresaliente del fallecido Ralf D. Bode, de un diseño de producción fantástico de Gary Weist, y sobre todo de un grupo de actores en estado de gracia, como una fugaz pero sorprendente Angie Dickinson (alucinante su escena en la ducha), de un joven Keith Gordon, de una guapísima Nancy Allen (una actriz maravillosa que merecía gozar de un recuerdo más cariñoso por parte de los cinéfilos) y sobre todo de un Michael Caine imperial que sabe jugar como nadie a los dobles sentidos y a una contención que esconde mucho más de lo que muestra, apropiándose de cada secuencia y bordando uno de sus papeles más difíciles y resbaladizos, uno de esos que distinguen a los grandes actores de las leyendas del cine. Visto el final de ‘Vestida para matar’, que no desvelaremos, es una gozada volver a verla acto seguido para encontrar un sentido a las enigmáticas frases y los dobles sentidos de un personaje que era muy fácil que cayera en el ridículo o la incoherencia pero que él sabe llevar a lo sublime.


https://www.espinof.com/criticas/vestida-para-matar-magistral-de-palma

Lo interesante ( al margen de las grandes actuaciones en especial de MC y de AD) es que la tensión, el suspenso te deja esperando a un final no tan previsible. De los mejores Films del gran BdP.



























https://m4uhd.tv/watch-movie-dressed-to-kill-1980-245005.html

 

Buen tema creado
Tim Robbins gran actor ..en esa película famosa con Morgan Freeman..... espero ver esta.. se ve buena trama.

Fue historia real sino me equivoco.... la Vi hace muchos años.. buena película.

 

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Obrigado caro colega, en el caso de "La Escalera de Jacob", por fin la pude ver y colocar el enlace para disfrutar tamaño peliculón. Si bien tiene varias interpretaciones, la crítica fue buena. La actuación de TR es genial y nos deja la intriga hasta el final.

En cuanto a "El Expreso de Medianoche", excelente film sobre el abuso de las autoridades locales con los reos (mental, física y en cuanto a sus DDHH) y en especial con BD. Film polémico en su época y hasta la fecha se deja ver. Valeu galera.